前　言

    “那些取得卓越成就的人通常终其一生为一个目标而努力，因为任何卓越的成就并非唾手可得。”

——塞缪尔·约翰逊（Dr. Samuel Johnson, 1707-1784）

数字摄影技术已被广泛接受，这让我们必须思考摄影入门教程该如何规划与教授。带着这样的想法，《光与镜头》从开始构思时就带着对摄影入门课程教学的全新看法。为了迎接这一过渡时期的挑战，本书清晰简明地强调为创造发人深省的数字影像所必须的基本而永恒的审美要求与基础技术。实践是贯穿本书的方法，通过向读者展示如何使用数字摄影手段实现某个想法来说明理论与图像实践的联系。

本书所秉持的观念立场是，以相机的方式观察世界是摄影师的首要技能，这通过强调构图、设计以及光线元素在摄影作品欣赏中举足轻重的地位而体现。当我们专注于把相机作为首要、基本的创作工具时，重点将会被放在如何观察并利用相机去捕捉视觉观点上。而掌握了拍摄技能，就应开始着手后期软件处理等问题。本书审慎地论述了如何充分利用照片的四个基本元素：光圈、焦距、焦点和快门速度，这里特别对数字单反相机（DSLR）加以强调，因为数字单反功能多样而且能够进行手动操控，但本书也讨论了摄影师应如何利用傻瓜相机和手机相机甚至是扫描仪进行有效地图像捕捉。

本书是一本充满探索精神的书，包含了众多摄影教师经过课堂教学检验的练习，这些练习鼓励读者们勇于探索并从摄影师的美学视角展开创作。灵感是主因和驱动力，方法和技术被用来将人的眼光转化成实际的图像，技术信息是对摄影基本原理的理解，它影响着数字图像的成像和变化。拍摄成功的摄影作品的背后是应专注于思考的过程，因此本书并不会很快过时，也不会因过多复杂和不断变化的技术问题令读者感到困扰。

由于数字图像处理程序比较复杂而且日新月异，本书简单介绍了一些数字图像处理方法，但本书绝不是一本关于图像处理的工具书或相机操作手册，必要的介绍只是作为辅助材料满足学生们对技术的需求。术语会在第一次出现时进行讨论与定义，正文周围的方框提供必要的背景信息。本书很少提及暗房技术，因为对于大多数成长于数码环境的学生来说，暗房技术对他们来说是非常陌生的。合适时，我会在一个话题的结尾处提供更多的信息出处，鼓励读者们自行上网搜索。

科技转变以惊人的规模和日新月异的速度不断发展，这表明无论你在学校学习了何种数字图像技巧，当你毕业时都需要再补充新知识。为了更好地应对这种变化，你需要具备长期不断学习的技巧，包括通过网络信息、教程、博客、邮件列表、播客、图像处理软件的帮助版块来做到与时俱进。

从著作权到网络博客和互联网中的“聚合”问题，围绕图像制作热点争论话题，本书都有涉及。因为意义的产生取决于当时的语境，所以从学识渊博的达·芬奇到喜剧演员史蒂芬·考博特（Stephen Colbert），艺术和文化等方面的各种资料掺杂在一起。不同的摄影目的与角色被放在一起对比，向人们揭示不同创作方法是如何用来塑造照片的形式与内容并最终导向其意义的。

本书是我对自身经验的一次最新且较为完整的总结，我将自己多年来作为摄影师、教师、作家以及博物馆工作者的经验汇集在一起，同时也吸纳了许多其他摄影教育者的工作经验。第1章从摄影创作的起因及方法着手分析，提出了一系列常见的问题和答案；随后对图像视觉基础展开探讨（第2章）；有一章是专门围绕使用相机和扫描仪获取图像的方法（第3章）；接下来是有关曝光和滤镜等的技术问题（第4章）；5～7章则解释了有关光的知识，以及如何观察和表达时空关系的方法；第8章呈现了数字文件能被相机拍摄、在显示器上显示并在打印机上输出的基本原理；第9章内容有关数字输出，包括如何呈现和保存你的作品；第10章中所涉及的是如通过相机观看并灵活操作相机；随后一章提供了生动的方法和练习，帮助你成为一名严谨的视觉问题解决者和评价者，并教你如何简洁地评价和陈述作品观点；最后，第12章罗列了一系列帮助你扩展想法和视野的练习；全书结尾处还以附录的形式探讨了职业健康、安全及择业的话题。每章都作为独立的单元，方便读者寻找感兴趣的话题，这种安排也鼓励学生们跳跃式阅读并找到适合自己的材料建构顺序。

本书所涵盖的当代艺术项目集结了190位各国艺术家令人鼓舞的作品和精巧的视觉辅助说明，这些作品在创作或发布过程中的某个环节都进行了数字化。图片收集自一个公开的国际作品征召，并邀请选定的艺术家参与完成。

在浏览成千上万张图片之后，一种趋势渐渐显现：许多摄影师开始摈弃单一、静止的图像，转而投向流动的、具有电影特质的相互联系的瞬间，即使最后的成品只是一副图像，这种转变也模糊了动态影像与静态图形的边界，从时间、空间上拓展了传统摄影观念。在后“9·11”时代，越来越多的摄影师眼光更加开放、宽广，在处理安全、伊拉克战争、气候变化和自然灾害时不再局限于个人。同样从来源于显微摄影、望远摄影及卫星摄影或科学程序参考的迹象可以看到，摄影师们对科学领域更加广泛的兴趣。从技术角度来说，将扫描仪作为相机使用的情况在飞速增长。新的数码打印机允许摄影师直接增加作品尺寸，这让他们的作品有足够大的规模，甚至和整面墙一样大，并轻而易举地与绘画相提并论。而这个研究的结论是图像处理软件能够折射出当今数码摄影人精妙的思考。

除了这些知名的国际艺术家之外，我还加入了一些新兴、尚不知名艺术家的特别作品，整体来看，他们的作品相对于主流似乎显得有些离经叛道。所有杰出的视觉范例都会为人们提供创作的新起点，这些摄影作品好像在告诫人们所有的照片并非完全相同，有些照片的传播广度和效果比另一些照片更宽更好。作为视觉上的典范，它们提供了重要的参考，人们可以遵照它进行理解和欣赏，但不应强求。我们鼓励读者学习规则和标准，但任何时候都要毫不犹豫地站在任何一边或甚至采取相反的做法，这些都将对创新视野造成干扰。

此外，我摘录了摄影师关于自己美学追求与技术选择的说明，让读者能够了解他们创作过程中的想法与动机。

摄影技术从模拟到数字的转化是一个令人愉快的过程，但也可能令一些人感到不安。但最重要的是利用数字图像的优势，数字摄影的无限拍摄、立即回看、相机内置程序、后期处理软件连通存档级别的桌面打印和网络发布等特性，使亨利·福克斯·塔尔博特（Henry Fox Talbot）所梦想的每个人都是自己图片的制作者与发布者的梦想得以实现。

为了写作本书，我特别请东新墨西哥大学的格雷格·厄夫（Greg Erf）教授帮助建构数字工作室（第8章）一章的内容，自1988年相识至今，我们已经建立了坚实的学术关系，利用互联网讨论、写作并互相学习有关摄影的东西。据格厄夫估算，据说他从未删除过收信箱里的信件，自1994年以来，我们之间互通邮件超过15330封，平均每天超过3封，墨西哥州与纽约之间的数字化通道依旧畅通无阻。

厄夫和我在网络上一同开发并教授摄影史课程（www.enmu.edu/photohistory），还为Photovision杂志写专栏，在写作本书同时，我们两人一起进行了《探索彩色摄影：从暗房到数字工作室》（Exploring Color Photography: From the Darkroom to the Digital Studio）一书的写作，当然还有很多其他的活动（参见www.negativepositive.com）。我之所以选择与厄夫一起工作，是因为他在摄影和数字图像领域的渊博学识，格雷格讲授摄影课程已有20多年，而且他被认为是新墨西哥州的顶级摄影师。新墨西哥州圣达菲的琳达·杜海姆当代艺术画廊（www.lindadurham.com）展出他的作品。

厄夫填补了传统摄影与数字摄影之间的空白。他的个人作品（www.gregerf.com）全部用旧式的11×14英寸画幅相机拍摄，而他的教学则以数字摄影和计算机动画为主要内容，两者的结合使格雷格植根于摄影创作的传统语言当中，我们两个人还共同努力梳理和确定数字摄影的新的语言规则。

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